"WHAT YOU SEE IS WHAT YOU GET"

divendres, 20 de gener del 2017

Cristina Ruiz

Sabados Dulces en Euskal Etxea, Seda Natural, 6 abril 2013 from Alexey K on Vimeo.


Cristina Ruiz.

L’Albert va conèixer a la Cristina Ruiz a l’autocar de l’ALSA que fa el trajecte de Barcelona a Madrid, triga 8 hores i costa 57 euros anada i tornada. Anava ple i van tenir la casualitat i la sort de ser veïns de seient.

La Cristina pinta seda. L’altre dia el va convidar a la classe magistral de pintura en directe que mostro en el vídeo on va fer una de les seves obres davant dels ulls de tothom.

L’Albert m’ha escrit explicant-me cóm havia estat:

“La demostració va tenir lloc a la Casa Basca a Madrid, la Euskal Etxea, és tot un edifici de tres o quatre plantes. Ho van fer a la Cafeteria que hi ha al tercer pis, per això es veuen unes senyores jugant a cartes. 

El noi que surt repartint pastissos també és pintor i han fet alguna exposició junts, es diu Natxo Arteta i fa uns quadres abstractes geomètrics a base de línies i plans, una mena de Mondrian però molt més poètic, a la seva Web ho podràs veure.

A part de pintor també fa uns pastissos molt bons, i aquesta va ser una manera original de treure’s uns euros extra. Jo vaig prendre un tros (boníssim) y un gotet de vi, en total em va costar 5,50 euros.

Aquest pintor viu entre Pittsburg (on va néixer i té la seva família) i Madrid.

El vídeo està filmat i produït pel marit de la Cristina, l'Alexey K. (no recordo quin és el seu cognom, ja saps que és rus (de Sant Petersburg). Segueix portant els cabells llargs, abans també perilla, però ara s'ha deixat el bigoti com els dels anys 70, aquella mena de bigotis que varem comentar amb el Lluís a Camponaraya aquesta passada Setmana Santa”.

Les imatges es podrien comentar, però el millor es deixar que la mirada es perdi en elles veient a la Cristina pintar.


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Cristina Ruiz.

Albert conoció a Cristina Ruiz en el autocar del ALSA que hace el trayecto de Barcelona a Madrid, tarda 8 horas y cuesta 57 euros ida y vuelta. Iba lleno y tuvieron la casualidad y la suerte de ser vecinos de asiento.

Cristina pinta seda. El otro día lo invitó a la clase magistral de pintura en directo que muestro en el video donde hizo una de sus obras ante los ojos de todos.

Albert me ha escrito contándome cómo había sido:

"La demostración tuvo lugar en la Casa Vasca en Madrid, la Euskal Etxea, es todo un edificio de tres o cuatro plantas. Lo hicieron en la Cafetería que hay en el tercer piso, por eso se ven unas señoras jugando a cartas.

El chico que sale repartiendo pasteles también es pintor y han hecho alguna exposición juntos, se llama Natxo Arteta y hace unos cuadros abstractos geométricos a base de líneas y planos, una especie de Mondrian pero mucho más poético, en su Web lo podrás ver.

Aparte de pintor también hace unos pasteles muy sabrosos, y esta fue una manera original de sacarse unos euros extra. Yo tomé un trozo de uno de ellos (buenísimo) y un vasito de vino, en total me costó 5,50 euros.

Este pintor vive entre Pittsburg (donde nació y tiene su familia) y Madrid.

El vídeo está filmado y producido por el marido de Cristina, Alexey K. (no recuerdo cuál es su apellido, ya sabes que es ruso (de San Petersburgo). Sigue llevando el pelo largo, antes también perilla, pero ahora se ha dejado el bigote como los de los años 70, esa especie de bigotes que comentamos con Lluís en Camponaraya esta pasada Semana Santa".


Las imágenes se podrían comentar, pero lo mejor es dejar que la mirada se pierda en ellas viendo a Cristina pintar.

dijous, 19 de gener del 2017

Adela Fonts




La visión estética del cuadro abstracto moderno ha sido reducida al efecto psicológico de sus componentes formales. La experiencia estética se ha eliminado de manera integral. Desaparece incluso aquella tensión espiritual entre mímesis y racionalidad productiva que todavía atraviesa a los pioneros de la abstracción moderna. En su lugar se introducen las categorías formalistas de caos y armonía, desorden y orden (…)Eduardo Subirats, Linterna mágica. Ediciones Siruela. 1997

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L’Adela Fonts em va confessar un dia l’indret on pensava anar a viure en el cas que decidís enviar-ho tot a fer punyetes, em va dir també que jo era l’únic que ho sabria i que era una confidència que devia guardar i no revelar mai a ningú.

Li respongué que així ho faria, que confiés amb mi, però vaig voler saber també si podia anar-la a visitar de quan en quan en aquest lloc remot i secret.

Se’m va quedar mirant molt seriosa i, després de rumiar-s’ho molt, em va dir que s’ho havia de pensar.

Segons la historiografia clàssica, Paul Strand al 1915 i Paul Outerbridge al 1923 inauguren l’abstracció en la fotografia amb les seves imatges “matèriques” d’objectes, on l’objecte desapareix de la vista per mostrar, paradoxalment i única, les seves formes com si la “cosa”, l’objecte en sí, les ocultés d’una manera perversa i hagués de ser eliminat per a alliberar-les i exposar-les a la vista de tothom.

El principi, doncs, de “la cosa oculta la seva forma”, és l’argument fundacional de l’abstracció que ignora directament a la cosa per atendre només a la forma sola, independent i lliure.

Aquesta és, precisament, la pretensió, el recorregut artístic i la lògica gràfica que va sustentar, primer el cubisme i després bona part de les avantguardes que el van continuar. 

Però la fotografia no és pas la pintura encara que molts fotògrafs han fet servir les seves càmeres com a pinzells o espàtules, jugant amb la llum i el moviment o tractant després, un cop presa la instantània, els components químics que intervenen en el revelat.

Dels Rayographs de  Man Ray a les solaritzacions de l’Andy Warhol hi ha un llarg camí recorregut. També dels collages de Veronesi, de Nikolas Lecuona, del mateix Man Ray, fins els patxworks de David Hockney construïts amb polaroides i el seu procés de revelat automàtic que només tolera alteracions directes i ràpides igual que l’antiga pintura “al fresco” al assecar-se el guix ràpidament.

Però, curiosament, són l’arquitectura i les obres d’enginyeria les que esperonen de manera més genuïna la imaginació iconoclasta dels fotògrafs. Renger-Patzsch i les seves estructures industrials, xemeneies i oleoductes. Charles Sheeler i els seus esbossos fets directament amb la càmera que donen lloc a la construcció real de factories com la de la Ford a River Rouge, Michigan.

Jaromir Funke i Florence Henri busquen qualitats sorprenents amb els nous materials que la industria ofereix, ciment i acer, i nous efectes visuals amb els reflexos i les transparències del cristall i les seves reflexions lumíniques.

Però, l’autèntica  aportació original i genuïna va arribar de les imatges que Laszlo Moholy -Nagy va prendre l’any 1928 des de la torre de comunicacions de Berlin.  Un precedent directe és Germaine Krull amb les seves vistes de la Torre Eiffel de 1927.

Laszlo Moholy-Nagy és un alumne aplicat de la Bauhaus que incorpora a l’ull de la càmera una nova visió que canvia els models de composició clàssics amb picats, contrapicats i horitzons desplaçats de la línea normal de flotació de la mirada humana. El resultat, en diríem ara, és una deconstrucció, una imatge nova, autònoma i consolidada, en aquest cas desmaterialitzada completament, però absolutament gràfica al intentar eliminar, amb forts contrastos de llum, el volum.

Aquest és el camí que seguiran altres, Otto Umbehr, Michel Bishop, John Pfhal i Walker Evans.

No hi ha res més abstracte que un edifici o un carrer, una cantonada o un aparcament de cotxes vistos des del terrat d’un gratacels, molt més que un primer pla d’una escarxofa o d’una col. Per què?, perquè un objecte natural no pot ser abstracte, és una contradicció en els termes, no es deixarà mai diluir en la seva forma per acabar desapareixent, exceptuant, això sí, que ens el mengem. En canvi, una màquina o una finestra, un fanal o el forat d’una claveguera són objectes mentals que, per definició, es poden fer a miques i trossejar fins a l’infinit com un mirall trencat.

Les fotografies de l’Adela són filles d’aquesta tradició que trenca els miralls. És una obra eclèctica com ho són la majoria de les bones obres i dels grans artistes, no és pas una fotògrafa obsessionada fora de tenir una mirada obsessiva, insistent i curiosa. L’Adela és una dona amb un tercer ull que sap que tot allò que no és diferent és indiferent.

Per això estic tranquil, perquè sé que qualsevol dia d’aquests em respondrà de manera positiva la pregunta que li vaig fer, i em dirà que sí, que la puc visitar quan vulgui al seu amagatall secret on pensa anar a viure si pren la decisió d’enviar-ho tot a fer punyetes.

O no.

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La beauté n’est pas dans les choses, elle est dans nos yeux. La photographie aurait dû nous l’apprendre depuis longtemps car voilà passé le milieu de son deuxième siècle, mais nous continuons à y confondre l’objet et le sujet par l’entraînement d’une illusion bien plus ancienne. ” Bernard Noël, Le nu. Collection photo poche, 1985.

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Bona part de les dades històriques del present text han estat extretes del capítol El fotógrafo como diseñador de Joan Fontcuberta, del volum Foto-Diseño de la Enciclopedia del diseño d’en Joan Costa, 1988.

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La visión estética del cuadro abstracto moderno ha sido reducida al efecto psicológico de sus componentes formales. La experiencia estética se ha eliminado de manera integral. Desaparece incluso aquella tensión espiritual entre mímesis y racionalidad productiva que todavía atraviesa a los pioneros de la abstracción moderna. En su lugar se introducen las categorías formalistas de caos y armonía, desorden y orden (…)Eduardo Subirats, Linterna mágica. Ediciones Siruela. 1997

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Adela Fonts me confesó un día el lugar donde pensaba ir a vivir en el caso de que decidiera enviarlo todo al carajo, me dijo también que yo era el único que lo sabía y que era una confidencia que debía guardar y no revelar a nadie.

Respondí que así lo haría, que confiara en mí, pero pregunté también si podía ir a visitarla de vez en cuando a ese lugar remoto y secreto.

Se me quedó mirando muy seria y, después de rumiarlo mucho, me dijo que se lo tenía que pensar.

Según la historiografía clásica, Paul Strand en 1915 y Paul Outerbridge 1923 inauguran la abstracción en la fotografía con sus imágenes "matéricas" de objetos, donde el objeto desaparece de la vista para mostrar, paradójica y únicamente, sus formas como si la "cosa", el objeto en sí, las ocultara de una manera perversa y debiera ser eliminado para liberarlas y exponerlas a la vista de todos.

El principio, pues, de "la cosa oculta su forma", es el argumento fundacional de la abstracción que ignora directamente a la cosa para atender directamente a la forma sola, independiente y libre.

Esta es, precisamente, la pretensión, el recorrido artístico y la lógica gráfica que sustentó, primero el cubismo y después buena parte de las vanguardias que lo continuaron.

Pero la fotografía no es la pintura aunque muchos fotógrafos han utilizado sus cámaras como pinceles o espátulas, jugando con la luz y el movimiento o tratando después, una vez tomada la instantánea, los componentes químicos que intervienen en el revelado.

De los Rayographs de Man Ray a las solarizaciones de Andy Warhol hay un largo camino recorrido. También los collages de Veronesi, de Nikolas Lecuona, del mismo Man Ray, hasta los patxworks de David Hockney construidos con Polaroid y su proceso de revelado automático que sólo tolera alteraciones directas y rápidas al igual que la antigua pintura "al fresco" al secar el yeso rápidamente.

Pero, curiosamente, son la arquitectura y las obras de ingeniería las que animan de manera más genuina la imaginación iconoclasta de los fotógrafos. Renger-Patzsch y sus estructuras industriales, chimeneas y oleoductos. Charles Sheeler y sus bocetos hechos directamente con la cámara que dan lugar a la construcción real de factorías como la de la Ford en River Rouge, Michigan.

Jaromir Funke y Florence Henri buscan cualidades sorprendentes con los nuevos materiales que la industria ofrece, cemento y acero, y nuevos efectos visuales con los reflejos y las transparencias del cristal y sus reflexiones lumínicas.

Pero la auténtica aportación original y genuina llegó de las imágenes que Laszlo Moholy -Nagy tomó en 1928 desde la torre de comunicaciones de Berlín. Un precedente directo fue Germaine Krull con sus vistas de la Torre Eiffel de 1927.

Laszlo Moholy -Nagy es un alumno aplicado de la Bauhaus que incorpora en el ojo de la cámara una nueva visión que cambia los modelos de composición clásicos con picados, contrapicados y horizontes desplazados de la línea normal de flotación de la mirada humana. El resultado, diríamos ahora, es una deconstrucción, una imagen nueva, autónoma y consolidada, en este caso desmaterializada completamente, pero absolutamente gráfica al intentar eliminar, con fuertes contrastes de luz, el volumen.

Este es el camino que seguirán otros, Otto Umbehr, Michel Bishop, John Pfhal y Walker Evans.

No hay nada más abstracto que un edificio o una calle, una esquina o un aparcamiento de coches vistos desde la azotea de un rascacielos, mucho más que un primer plano de una alcachofa o de una col. ¿Por qué?, Porque un objeto natural no puede ser abstracto, es una contradicción en los términos, no se dejará nunca diluir en su forma para acabar desapareciendo, exceptuando, eso sí, que nos las comamos. En cambio, una máquina o una ventana, una farola o el agujero de una alcantarilla son objetos mentales que, por definición, se pueden hacer añicos, trocear hasta el infinito como un espejo roto.

Las fotografías de Adela son hijas de esta tradición que rompe los espejos. Es una obra ecléctica como lo son la mayoría de las buenas obras y los grandes artistas, no es una fotógrafa obsesionada fuera de tener una mirada obsesiva, insistente y curiosa. Adela es una mujer con un tercer ojo que sabe que todo lo que no es diferente es indiferente.

Por eso estoy tranquilo, porque sé que cualquier día de estos me responderá de manera positiva a la pregunta que le hice, y me dirá que sí, que la puedo visitar cuando quiera en su escondite secreto donde piensa ir a vivir si toma la decisión de enviarlo todo a hacer puñetas.

O no.

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La beauté n’est pas dans les choses, elle est dans nos yeux. La photographie aurait dû nous l’apprendre depuis longtemps car voilà passé le milieu de son deuxième siècle, mais nous continuons à y confondre l’objet et le sujet par l’entraînement d’une illusion bien plus ancienne.” Bernard Noël, Le nu. Collection photo poche, 1985.

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Buena parte de los datos históricos del presente texto han sido extraídos del capítulo El fotógrafo como diseñador de Joan Fontcuberta, del volumen Foto- Diseño de la Enciclopedia del diseño de Joan Costa, 1988.




 Laszlo Moholy -Nagy


dijous, 22 de desembre del 2016

Inés González (y 2)


Barcelona, 14 de julio de 2013

Querida Inés,

Me alegra mucho que te haya gustado el post, en él, como puedes comprobar, no hay nada mío excepto el orden de las imágenes y las palabras dispuestas.

Todos sabemos que es difícil hablar de los amigos y de la obra de los amigos tratando de ser justos sin esconder los defectos ni recrearse en el elogio protocolario o desmesurado, procurando solamente explicar y describir con palabras exactas y fieles lo que vemos.

Tampoco con ánimo botánico ni entomológico, ni mucho menos con la asepsia del agrimensor, pero sí con el coraje del naturalista que dibuja con afición y curiosidad en su cuaderno de campo el mundo que ve, igual que tú, aunando dos actitudes aparentemente opuestas y contradictorias, la precisión y el candor.

He querido por ello, en el post que te he dedicado, usar más tus propias palabras que las mías porque tú eres una artista gráfica que las usa bien, no las teme ni se equivoca con ellas otorgándoles significados desmedidos, sofísticos o erróneos.

Así pues, la famosa y antigua técnica estudiantil del cortar y pegar me ha sido útil, el reto, por así decir, se ha limitado al orden que le daba al mosaico, al “trencadís gaudiniano” con sus formas también vegetales, abstractas y vivas.

Por esa razón he creído necesario enmarcar los textos con dos referencias personales y privadas porque definen y delimitan con claridad unas circunstancias y un carácter, una actitud, pero, sobre todo, también una mirada, la tuya. Palabras con diafragma, iris y retina. Una mirada que mirando hacia fuera nos indica, como un dedo que señala, un interior: tú y tus dibujos, igual que si fueran radiografías de otra arquitectura primordial y biológica, la de los huesos y las vísceras, la de los cartílagos y los lóbulos cerebrales con sus neuronas en forma de arañas y luciérnagas como esas noches estrelladas o esas fotografías nocturnas de ciudades iluminadas.

Las ideas y las emociones que provocan tus dibujos son, querida Inés, una red de carreteras, un sistema nervioso, un torrente sanguíneo, que ni desbocado ni salido de madre como un río rebosante, nos enseña la filigrana de la que están hechas las cosas, las grandes y las pequeñas.

Desde que mi padre me enseñó y me educó las manos y los dedos para usar con precisión quirúrgica las cuchillas de cortar pieles, desde que observaba a Albert escribir cursiva para textos impresos, desde que contemplaba a mi abuela Rosita haciendo encajes para sábanas y manteles, no he podido dejar de ver en el detalle, y en la técnica del detalle, el sentido del mundo.

Al principio decía que usas bien la palabra, es cierto, la usas y necesitas usarla como si fuera un componente lejano y cercano a tus dibujos. La Historia del Arte muestra de una manera reiterada un dilema antiguo que estos días pasados he querido expresar en algunos de mis textos y que es la relación entre poesía y pintura, la relación entre imagen y texto, entre abstracción y relato.

En tu obra no existe el uno sin el otro y viceversa, al mismo tiempo que las citas de poetas iraníes nos retrotraen a un mundo delicado y tierno, a un mundo ancestral que en buena parte se ha perdido para no regresar jamás, a una sensualidad que está a medio camino en la ruta diaria del sol alrededor del planeta, en ese que llaman Oriente medio que ni es medio ni es Oriente, a ese latido del corazón como la más vieja letanía que las personas oímos desde antes de nacer. Quizás, el pecado original de Adán y Eva no fuera más que la consecuencia de un fallo de fábrica al haberlos hecho Dios sin madre. ¿Cómo es posible dormir si antes no hemos escuchado sus latidos desde su vientre?

En este sentido, me perdonarás que traiga a colación a Borges en una de las conferencias que realizó en la Universidad de Harvard, “Credo de poeta”, del año 1968 y que cito en uno los post más recientes de mi blog.

“Borges nos habla de la metáfora y a cuento de ella cita y analiza un poema de Robert Frost. Lo hace para poner un ejemplo de metáfora que supere la simple comparación entre dos cosas, “la luna es como…”,

For I have promises to keep,
And miles to go before I sleep,
And miles to go before I sleep.

“Si tomamos los dos últimos versos, el primero –“y millas por hacer antes de dormir”- es una afirmación: el poeta piensa en las millas y el sueño. Pero, cuando lo repite, “y millas por hacer antes de dormir”, el verso se convierte en una metáfora; pues “millas” significa ‘días’, mientras “dormir” presumiblemente signifique ‘morir’. Quizás yo no debería señalarles esto. Quizá el placer no radique en que traduzcamos “millas” por ‘años’ y “sueño” por ‘muerte’, sino, más bien, en intuir la implicación”.

Por ello, el poema de Frost me recuerda a la Gran Elegía a John Donne en la que también aparece la mención a la muerte y al sueño y lo hace usando, aunque de manera diferente a Frost, la reiteración, la letanía. Para ser precisos debemos señalar que en el poema de Joseph Brodsky se habla de dormir y no de soñar, pero la licencia es tan válida, creo, como acertada:

John Donne se ha dormido, como todo el lugar.
Paredes, suelo, cuadros, la cama se han dormido;
se han dormido mesa, ganchos, pestillos, alfombras,
ropero, aparador, la vela y las cortinas.
Todo se ha dormido. Vaso, botellón, jofainas,
el pan y su cuchillo, platos cristal y loza,
armarios, quinqué, vidrios, lencería, el reloj,
escalones y puertas, La noche alrededor.
Alrededor la noche: en rincones, ojos y ropa,
en la mesa, entre el papel, en el texto del discurso,
en sus palabras en la leña, en las pinzas y el carbón
del apagado hogar, en cada objeto.”

Hago mención de ello porque creo sinceramente que tu obra es también una letanía y un sueño, igual que la de Blomsfeld, tus piezas seriadas, con el motivo repetido aunque no igual, es un gran acierto gráfico, una pulsación en el que las adormideras cumplen el papel de guardianas de ese raro jardín en el que viven parte de nuestros recuerdos y en el que sepultamos parte de nuestro futuro. Perfectos iconos de la muerte.

Has sido muy valiente, querida Inés, muy valiente como artista, al no esconder y manifestar abiertamente, con naturalidad, la fuente de la que has bebido: Karl Blossfedt y sus fotografías en blanco y negro, el verdadero color de los sueños y de las sombras, de su rara obsesión, de su tentación por la mirada fotográfica y la memoria inteligente del dibujante que trata de dar un pasó más allá, ¿más allá de dónde?, más allá de la línea que marca el coto cerrado que delimita el mundo.

Los jardines, los nidos, el boscaje, las ramas, los laberintos de la soledad, de la compañía y de la lejanía, de la distancia de todo con todo, del hogar, y de la intemperie, de las sepulturas por cerrar, de los duelos inconclusos, y de los pozos negros del mal y de las enfermedades que todo lo anegan con sus aguas putrefactas.

Ambos lo sabemos bien.

Dormir y soñar, deambular y alegrarse porque ha llovido, dibujar una línea mil veces y mil veces más porque, parafraseando a Félix de Azúa, la poesía es la verdad del arte y la verdad del arte es la capacidad de soportar el dolor que causa la experiencia del tiempo. Y en el tiempo está la muerte y la lejanía, ¿la lejanía de qué o de quién?, de los otros y con la suya la nuestra, la de nosotros con nosotros mismos.

Porque no podemos levantar el lápiz del papel ni dejar de contar historias.

Las cortinas están llenas de un oculto sofoco
y las inocentes palomas
desde lo alto de su blanca torre
miran la tierra.

Forugh Farrojzad 

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Ayer llovieron cuatro gotas que no refrescaron y el verde de las hojas de mi árbol han perdido ya su brillo, pero él tiene paciencia y me la ofrece como ejemplo. Cerca, a una manzana de mi tienda, hay una iglesia que repica las horas y los cuartos, es como una brújula y un corazón.

Besos.



Inés González (1)





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viernes, 12 de julio de 2013


Para Inés

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Hace mucho, muchísimo tiempo, una muy buena amiga me escribió:

“Estaba tan enojada que no era capaz de mostrar mis sentimientos, mis nidos rotos tomaban una dimensión de profecía extraña, de oscuro agorero.

No estoy preparada ni quiero cambiar mi vida, sí puedo asumir proyectos como los dados anteriormente, pero allí, en aquel país, la cosa cambia, allí están mis heridas, la cajita de mis demonios y con solo pensarlo pareciera que caigo en un abismo.

Días de niebla nos han azotado, peleando como iguanas enfurecidas, con los corazones apretados por el miedo y la incertidumbre.

Las crisis destruyen a las personas y a los tejidos familiares, poder adaptarse requiere de una lucidez y fortaleza enorme, ¡enorme!

Pero como bien dices en tantos años juntos al final pareciera que uno puede y deja entrar la luz.”

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Todos saben
todos saben
que tú y yo desde aquella fría abertura
vimos el jardín
y de aquella rama juguetona e inalcanzable
cogimos una manzana.

(1)

Forugh Farrojzad

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"La primera vez que leí el nombre de Forugh Farrojzad fue en un libro en cuya cubierta había la foto de una mujer con la cabeza descubierta. Yo tenía doce años. El libro estaba en la biblioteca de mi tío. Por más que me devanaba los sesos no comprendía qué relación podían tener aquella foto y aquel libro con mi tío, que era religioso hasta los tuétanos.

Ahora pienso que el libro estaba allí desde sus años de adolescencia, como algo prohibido, casi erótico, pero como él no lo entendía, lo había olvidado al dejar el pueblo. Su título era "Cautiva" y había sido publicado antes de la revolución.
Algunos años después, en una pequeña librería de una ciudad del norte de Irán, compré un libro de Forugh, y mi padre, con solo ver su nombre, me pegó y lo rompió. Compré papel celo y lo recompuse, pero mi padre no dejaba de gritarme: ¿Por qué lees eso?, ¡es el libro de una puta!

Antes y después de la revolución, a los gobernantes solo les preocupaba de Forugh la cuestión moral, por eso en Irán se ha discutido tanto sobre su vida íntima y hay tan pocos estudiosos sobre su obra. En cambio, ahora, todas las corrientes de la lírica se consideran más en deuda con su obra que con la de Ahmad Shamlu, el padre de la poesía persa contemporánea."

Mohsen Emadi

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Desplegado en el jardín
había un mantel,
entrañable
.
En el centro del mantel,
como un presentimiento iluminado,
un racimo de uva
cubría toda duda.

La reconstrucción del silencio
me perturbó.

Vi que el árbol existía.
Si existe el árbol,
es claro que hay que existir.

Hay que existir
y seguir
las huellas de las historias contadas
hasta el cauce blanco.

(2)

Sohrab Sepehrí 

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Sohrab Sepehrí es sin duda uno de los mayores poetas persas contemporáneos. Pintor y poeta a un tiempo, tan impregnada de poesía se halla su pintura como es de los estados poéticos.

(…)

Hijo del desierto, oriundo de ese Kashán que adora, donde se refugia una gran parte del año, Sepehrí se impone una disciplina casi ascética de soledad y silencio. Esa soledad la siente, la vive, la destila, la convierte en una muralla frágil que lo cerca como un halo y, transido de una transparencia, que debe a su fantasía, ejerce sea la vocación de pintor, sea la de poeta, pasando del pincel a la pluma, cosas ambas que maneja con la misma destreza, con idéntica seguridad e intuición.

Del "Preliminar", de Daryush Shayegan

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¿Dónde os he perdido imágenes mías pisoteadas?

Cuándo se ha soñado tanto en el cáliz de una flor, se recuerda de otro modo la casa perdida, disuelta en las aguas del pasado.

La estancia muere miel y tila
Donde los cajones se abrieron de luto
La casa se mezcla a la muerte
En un espejo que se empaña

(3)

Jean Bourdeillette

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En mi vida me he emocionado muchas veces, pero pocas con la intensidad y el impacto que provocó la obra del fotógrafo y coleccionista de plantas alemán Karl Blossfeldt.

Será porque todas sus imágenes, más allá de la fascinación estética, hurgan en esos rincones interiores de mi alma y me arrancan estas pulsiones apasionadas de creatividad y trabajo.

He titulado a esta larga serie de dibujos a tinta china, y digo larga porque acaba de comenzar y no sé cuándo se agotará "Tras la huella de Karl Blossfeldt", como forma de homenaje al genio, y de agradecimiento frente a los sentimientos despertados.

Abrazo la concepción pedagógica de Blossfeldt y me sitúo como una alumna más, recibiendo sus enseñanzas y disfrutando en este incansable trabajo.

Muchas de las imágenes plasmadas son de Karl Blossfeldt, otras son mías, y también de amigos fieles como Manuel Rubio Rubio que generosamente me han cedido sus fotografías.
 

Estos dibujos guardan la línea estética de Karl Blossfeldt, imágenes en este caso de enormes adormideras ampliadas muchas veces.  Parecieran flotar sobre el grano del papel, sin abalorios, sin escenarios, ni nada que las distraiga o nos distraiga mientras las contemplamos.

Aún no sé por qué escogí las Adormideras, hay algo en ellas que me fascina y atrae, múltiples asociaciones y lecturas me despiertan estos gigantescos úteros o cárceles de invención.

El tiempo y el trabajo me darán las respuestas, o no, el acto creativo no siempre se ajusta a explicaciones.

Inés González

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Una ventana para ver
una ventana para oír
una ventana que llega a su fin
al corazón de la tierra, como el aro de un pozo
y se abre hacia la extensión de ese efecto repetido y azul
Un ventana que llena las pequeñas manos de la soledad
con el nocturno desprendimiento
de dadivosas estrellas
Y desde ahí
se puede invitar al sol al exilio de los geranios
Me basta una ventana

(…)

Dime una palabra
yo, en la ventana, al resguardo
tengo un trato con el sol.


(4)

Forugh Farrojzad

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La planta ha de considerarse como una estructura auténticamente artística y arquitectónica. Frente a un impulso ornamental y rítmico, que prevalece en toda la naturaleza, la planta solo crea formas útiles y funcionales. Se ve obligada a desarrollar órganos que, en una lucha permanente por la subsistencia, le permitan resistir, mantenerse viva y responder a una necesidad específica. Crece siguiendo las mismas leyes de la estática a las que debe someterse cualquier arquitecto. Pero la planta no se reduce nunca a un diseño únicamente sobrio; va modelándose y adquiriendo una forma según las leyes de la lógica y del funcionalismo y, con una fuerza primigenia, empuja todo a adoptar una forma artísticamente sublime.

 Karl Blossfeldt

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Si venís a  buscarme,
venid, pues, lenta y suavemente para que no se raye
la porcelana de mi soledad.
 

(2)

Sohrab Sepehrí 

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Desde el templo asirio hasta el estadio contemporáneo, desde el buda sumido en la contemplación hasta el pensador de Rodin, desde la cromoxilografía china hasta el heliograbado actual: toda obra realizada por las manos del hombre revela el espíritu de su época con tal evidencia que fácilmente se puede adivinar la fecha en que se hizo. En la creación artística de cada generación queda documentada su postura con respecto tanto de la naturaleza como de Dios y de las matemáticas. Cuanto más se integre todo el presente en una obra, más cierto será su valor de eternidad.

Karl Nierendorf

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“Discípula aventajada de Karl Blossfedt, Inés González va recorriendo, aparentemente, los motivos florales que obsesionaron al metódico. Pero lo que en éste era necesidad, el blanco y negro estricto, se antoja en ella voluntad expresiva. Los tallos, flores y frutos que Inés González, perfila minuciosamente sólo miman lejanamente aquellas centenarias fotografías. Una fuerza, una pulsión, recorre los pétalos y ramajes con los que se canta la igualdad entre movimiento y quietud. De las elegantes frondas, pasamos a los nidos vacíos, a flores a punto de descomponerse que expresan la eterna pero siempre negada identidad entre vida y muerte”.

Con estas palabras el filósofo Julio Díaz, nos invita a descubrir la obra de esta gran artista.

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Hace mucho, muchísimo tiempo, una muy buena amiga me escribió:

Estamos bien, contentos porque ha llovido, breve, pero ha llovido, y eso me gusta.

Sin novedades de ninguna clase, el trabajo sigue escondido en algún lugar, pero ya aparecerá, y si no, habrá que seguir creando adormideras y jardines negros, que me salvan del miedo y del abismo.

Espero que Uds. sigan bien, se los veía hermosos en las fotos.

Inés

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Enlaces:



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(1) Verso del poema “La conquista del jardín” que se halla en  "Nuevo Nacimiento" (1967) de Forugh Farrojzad. Traducción de Clara Janes y Sahand

(2) "Espacio Verde Todo Nada Todo Mirada", Sohrab Sepehrí 

(3) Casa y Universo, del libro "La Poética del Espacio" de Gastón Bachelard

(4) Versos del poema “Ventana” que se halla en  "Nuevo Nacimiento" (1967) de Forugh Farrojzad. Traducción de Clara Janes y Sahand





dissabte, 26 de novembre del 2016

Amor y hierro. (y 7)

T. U. y su perro



Amor y hierro. (y 7)

También he olvidado qué es un cuchillo y un tenedor, qué función cumple el hilo, la aguja y el dedal, los dientes falsos que rellenan mi dentadura o los anillos de oro y hojalata que luzco ensartados en mis dedos flacos.

Tampoco sé para qué demonios sirve la silla de ruedas en la que estoy sentado ni quién la empuja, ni porqué introdujeron una placa en mi cerebro agujereado. Caminar no camino y pensar, ya ven, pienso poco y mal.

A destiempo.

¿Qué pinta esa blanca flor en mi ojal?, ¿me caso o me muero?

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Tomi Ungerer puebla su mundo de gatos, osos, perros, elefantes y unicornios, a todos ellos los miran, y disfrutan al hacerlo, miles de niños y adultos. ¿Qué ven en sus dibujos? No lo sé, pero sí sé que con ellos yo me encontraré menos solo, pero más lejos de todo.

En su extensa obra también encontramos hombres, mujeres y máquinas en una extraña simbiosis en la que los que se besan no tienen rostro, ¿cuándo se quitarán la máscara?

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Una amiga colombiana me acaba de llamar para decirme que su padre ha recibido accidentalmente en una pierna un balazo que le ha disparado un pistolero que perseguía por la calle a otro hombre para matarlo, según parece se encuentra bien y fuera de peligro.

Hace meses que me acompaña, en la casa del árbol en la que vivo, una pequeña lagartija que comparte su tiempo con el mío, ella caza sus mosquitos y yo le doy de beber; de vez en cuando hablamos o simplemente callamos, el uno al lado del otro. Quiero creer que mi lagartija son dos en su cuerpo pequeño, dos personas que hasta hace poco vivían a mi lado y que no puedo ni quiero olvidar, nuestra vida juntos fue casi mi vida entera y sin ellos me siento huérfano y desamparado.

Mi hermano afirma siempre que la vida es rara y yo le respondo que si no lo fuera no sería vida ni sería nada.

Por ello preferimos, él y yo, y con las debidas excepciones, papeles dibujados perdidos entre montañas de retales de periódicos, que gloriosas pinturas colgadas de paredes que siempre estarán vacías como lo están los álbumes sin fotografías.

El papel blanco, como el metal, es moldeable, él también se forjó en los hornos de los soles cuando languidecían de su última explosión; la celulosa, el carbón y el hierro, conocen qué es el calor y la fuerza de las caricias de un yunque y un martillo, de un lápiz y un pincel, las mejores manos.

Tras el sol aparecen los colores.

Mimos, besos y fracasos, fuegos y cenizas, la carne, tan blanda, tan efímera y perecedera, no sabe a nada, quema mal y huele peor. Sonrosada, canela o parda, es solamente un alimento para gusanos.

El  dueño del acero y de su forja es Hefesto, hijo de Hera, Hefesto el Cojo, el esposo de Afrodita, la Gran Ramera y la única que defendió a la insigne Troya, al noble Héctor, al tonto Paris y a la incalificable Helena.


Amor y hierro, ¿el sueño es sólo nuestro?